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Der Sommer der ukrainischen Blusen und die Geschichte der Protestkleidung

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Am 19. Mai schrieb Olena Zelenska, First Lady der Ukraine, einen Instagram-Beitrag zum Vyshyvanka-Tag, der jährlichen Feier der Nationaltracht des Landes. Die Veranstaltung, die jedes Jahr am dritten Donnerstag im Mai stattfindet, widmet sich der Erhaltung der traditionellen bestickten Kleidung der Ukraine. In diesem Jahr, inmitten der anhaltenden russischen Invasion, bekam der Tag eine neue Bedeutung.

„Jemand zieht [their vyshyvanka] heraus, wie durch ein Wunder überlebend, aus einem Schrank in einem zerstörten Haus. Jemand sucht sie in einem anderen Land, wohin der Krieg sie getrieben hat … Jemand wird sie während der Besatzung tragen … und jemand anderes wird sie zum ersten Mal tragen, weil sie zum ersten Mal ein solches Bedürfnis verspürten“, schrieb Zelenska.

Menschen in der ganzen Ukraine, von erfahrenen Vyshyvanka-Sammlern und Politikern bis hin zu Frontsoldaten und Präsident Zelensky, trugen dieses Jahr ihre Baumwoll- und Leinenstoffe, die mit exquisiten Motiven bestickt waren, die sich über kühne, ausdrucksstarke Blumen und komplizierte, sich wiederholende Muster erstrecken.

Die Vyshyvanka-Feier überschritt sogar Grenzen, als Menschen aus der ganzen Welt ihre Unterstützung zeigten. Kristina Korniiuk, 34, die von ihrem Zuhause in Kiew nach Cambridge floh, ging so weit, aus einem Bettlaken ein riesiges besticktes Hemd zu kreieren, um „der Welt zu zeigen, wie schön wir sind“.

Ukrainische Politiker, Frontsoldaten und diejenigen, die aus dem Land geflohen waren, trugen Baumwolle und Leinen, um die Vyshyvanka-Feier zu unterstützen (Foto: Alex Chan Tsz Yuk/Getty)

Die Unterstützung für die Ukraine durch das Medium Kleidung hat sich über die Wyshywanka hinaus ausgebreitet. Blau und Gelb, die Farben der Nationalflagge, wurden zur Farbpalette der Wahl für Fashion Week-Besucher und Designer, die ihre Solidarität mit den Menschen in der Ukraine zum Ausdruck bringen wollten. Blazer, Bodysuits, Wickeldecken und sogar Gummistiefel mit Stollenkappen bekamen plötzlich eine Bedeutung.

Unterdessen ging ein Foto einer Frau mit blauem Kopftuch und gelber Lederjacke in der Moskauer U-Bahn viral. „Manchmal muss der Akt des Widerstands nicht laut oder mutig sein, er muss es einfach sein“, ein Twitter-Post, der das Bild teilte, gelesen.

Blau und Gelb waren auch die Inspiration für die Support Ukraine Collection der in der Ukraine gegründeten digitalen Modemarke DRESSX. Die Kollektion wurde nur zwei Tage nach der Invasion lanciert, um Geld für das Verteidigungsministerium, vom Konflikt betroffene Modedesigner und Wohltätigkeitsorganisationen zu sammeln.

Die Kampagne brachte innerhalb der ersten 12 Stunden 200.000 UAH (etwa 5.400 £) ein. Neben der Erleichterung der notwendigen Mittelbeschaffung lieferte es die Bausteine ​​für eine weltweite Demonstration von Unterstützung und Widerstand.

Einige mögen argumentieren, dass ein Kleid nicht viel dazu beitragen wird, eine Invasion zu beenden, und ja, dies allein kann keinen Frieden schaffen. Aber Kleidung als Vehikel für Protest und Identität ist eine seit langem etablierte Praxis, sei es ein einzelner schwarzer Handschuh, der 1968 auf einem olympischen Podium getragen wurde, oder eine rot-weiß-blau gestreifte Kokarde, die von einem französischen Revolutionär getragen wird.

Die Vyshyvanka-Feier ist der jüngste ukrainische Protest nach Putins Invasion im Februar (Foto: Michael Nigro/Getty)

Im September 2021 veröffentlichte Dr. Bahar Jalali, Gründerin des ersten Gender Studies-Programms in Afghanistan, auf Twitter ein Foto von sich selbst in traditioneller afghanischer Kleidung. Es war eine Reaktion auf strenge Kleidervorschriften, die von den Taliban nach dem Fall von Kabul im August 2021 eingeführt wurden und von Frauen verlangten, komplett schwarze Kleidung zu tragen und ihre Hände, Gesicht und Füße zu bedecken.

Von dort aus verbreitete sich der Hashtag #DoNotTouchMyClothes über die sozialen Medien, als Frauen ihre reichen, farbenfrohen traditionellen Kleider teilten, um sowohl ihre Kultur zu feiern als auch gegen die Kontrolle der Taliban über Frauen zu protestieren.

„Wie bei den meisten Dingen hat jeder eine andere Art zu verstehen, denke ich [fashion] ist für manche Menschen effektiv, weil es ihnen hilft, etwas über eine Geschichte oder eine Bewegung zu lernen“, sagt die Mode- und Haushaltswarendesignerin Tihara Smith. „Es wird nicht für jeden funktionieren, aber es ist wichtig, unterschiedliche Berührungspunkte zu haben.“

Smiths eigene Arbeit bezieht sich auf die Windrush-Generation und die Geschichten, die ihre Großeltern ihr erzählten, als sie nach Großbritannien kamen. Gewebte Basttaschen und Wandbehänge, die mit karibischen Wildtieren und Pflanzen bestickt sind, sind von traditionellem Strohhandwerk inspiriert, während Slogans wie „Nuff Love“ und „You Called, We Came“ in leuchtenden Rosa-, Grün- und Gelbtönen von Albumcovers referenzieren Calypso- und Reggae-Künstler.

„Ich denke, es ist wichtig, dabei zu helfen, die Geschichte weiterzutragen. Zukünftige Generationen können sehen [the clothing] und wirklich verstehen, ohne etwas lesen zu müssen. Es gibt Ihnen eine Vorstellung von der Botschaft, der Geschichte und den Materialien“, sagt Smith.

Auch die irische Modedesignerin Róisín Pierce blickt auf ihr Erbe zurück, um ihre zarten, aber skulpturalen, ganz in Weiß gehaltenen Designs zu inspirieren. Ihre charakteristischen Techniken, darunter Rauchen, irisches Häkeln, Spitzen und Handarbeiten, wurden alle in den Magdalene Laundries – Orten, an denen es zu weitreichendem Missbrauch und Ausbeutung von Frauen kam – in ganz Irland unterrichtet. „Es ist ein äußerst schönes Werk, das aus einer großen Tragödie hervorgegangen ist. Es gibt eine Generationengeschichte, und es ist wichtig, dass diese Fähigkeiten nicht vergessen werden“, sagt Pierce.

„Ich finde es toll, dass die Menschen durch meine Arbeit mehr über die irische Geschichte erfahren, insbesondere über das Thema der Magdalene-Wäschereien“, fährt Pierce fort. „Die Verbindung zwischen irischen Frauen und dem Handwerk – seine bedrückende und befreiende Rolle in ihrem Leben – ist faszinierend.

„Meine Entwürfe orientieren sich stark an gesellschaftspolitischen Konzepten und historischen Bezügen, aber es ist mir wichtig, dass es nicht wie etwas aussieht, das direkt aus der Vergangenheit stammt.“ Inspiration aus Pierces eigenen glücklichen Kindheitserinnerungen – „Sternenglanz und wunderschönes Licht“ – verleiht auch ein Gefühl von Verspieltheit.

Wie Pierce nutzen auch die Frauen des Herero-Stammes in Namibia Kleidung, um den Raum zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Unterdrückung und Ausdruck zu erkunden. Die Frauen des Stammes kleiden sich in die viktorianischen Silhouetten der deutschen Kolonisatoren, die Anfang des 20. Jahrhunderts fast 80 Prozent ihrer Bevölkerung das Leben nahmen.

Der Stamm bezieht sich auf den Kleidungsstil dieser europäischen Missionare, untergräbt ihn aber auch mit kräftigen Farben, Patchwork, üppigen, aufeinanderprallenden Textilien und kuhhornförmigen Kopfbedeckungen, die ihren Respekt vor dem Vieh symbolisieren. Indem sie die Kleidung ihrer Kolonisatoren annehmen und anpassen, erinnern sie sich an ihre Vorfahren, während sie ihre eigene kulturelle Identität neu ausrichten. Jetzt repräsentieren die Kleider einen Übergangsritus für Herero-Frauen.

Die Geschichten, die Blusen, Kleidern und Handschuhen zugrunde liegen, sind oft komplex und schwer, und daran führt kein Weg vorbei. Kleidung allein kann Kriege nicht beenden oder Tragödien ungeschehen machen, aber sie schafft Raum für Freude, Ausdruck und Identität. Wenn es darum geht, eine Geschichte zu erzählen oder ein Statement abzugeben, ist die Unmittelbarkeit und Wirkung des Tragens – der Verkörperung – kaum zu übertreffen.

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Oliver Barker

Est né à Bristol et a grandi à Southampton. Il est titulaire d'un baccalauréat en comptabilité et économie et d'une maîtrise en finance et économie de l'Université de Southampton. Il a 34 ans et vit à Midanbury, Southampton.

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